CD1
Piano Magic / Berg Sans Nipple / Tex la homa / Girls in Hawaii / Julie Doiron / June Panic / Chris Brokaw / Lowlights / Jr. / Rivulets / Anari / The Somnambulants / Tara Jane O´Neil & Kristina / Árbol / Early Day Miners

CD2
Destroyer / The Decemberists / The Impossible Shapes / Bud Early / Tarentel / Miztura / Mines / Old Jerusalem / Loud / Maquiladora / The King Cobran / Lorna / Ant / Colch-on

Los tres primeros trabajos de For Stars cosecharon críticas halagüeñas en medio mundo. Por consiguiente, se esperaba que el nuevo álbum del grupo marcara una vital inauguración de sello, quizás una multinacional de las varias con las que hubo contactos. Pero lo que estaba destinado a ser supuestamente un gran disco de pop con mayúsculas (tamizado, eso sí, de guitarras cristalinas a lo Costa Oeste) no tardó en revelarse como un trabajo decididamente oscuro. Nada de “God Only Knows” y mucho “Sister Lovers”. Los miembros de For Stars participaron en la medida de lo posible, poniendo su granito de arena, pero el disco se estaba creando a sí mismo, como suele pasar con esas obras que no tienen principio ni final, sino un epicentro sónico que amenaza con devorarlo todo. Así que la banda simplemente soltó las riendas y se dejó llevar.

El resultado de este relajamiento es un viaje confuso y psicodélico por unos tiempos en los que For Stars parecen perdidos. El disco es un fogonazo de belleza musical que se derrumba en el caos. (¿Dijimos derrumba? Mejor sería decir que se funde con el caos.) “…It Falls Apart” comienza de forma sencilla, pero a medida que avanza aumentan los tambaleos y las oscilaciones, haciéndose más raro y confuso por momentos. El equivalente emocional en el cine podría ser una película de Mike Leigh. (Me viene a la mente “Todo o nada”, pero vayamos al grano.)

Este trabajo trata sobre cómo For Stars no saben dónde están o hacia dónde se dirigen. No era lo que tenían pensado hacer, pero era lo que había y decidieron conformarse. Al final, ha resultado ser un regalo: estamos ante un álbum tierno y hechizante, cercano a la épica bien entendida de los mejores Radiohead, al espíritu orgánico de Sea and Cake, a la lírica de Yo La Tengo, pero que desde el principio es mucho más que la suma de sus partes, que la síntesis de sus influencias tanto musicales como emocionales. Y nos atreveríamos a decir que esto es todo lo que se puede pedir de un disco.

Xiu Xiu son una de las sensaciones de la rama más heterodoxa del nuevo indie norteamericano. Pero una sensación que va más allá del hype, puesto que aquí no hay escenas, modas, neo-algo, post-algo, rock requete-renovado o ropa de marca, sino talento sónico y lírico en un estado cercano a la pureza. Nacidos como proyecto en 2000 y liderado por el temperamental cantautor Jamie Stewart, el grupo cuenta con una gama de músicos e invitados que van rotando, provenientes, por poner un ejemplo, de combos tan ignotos como Mr Bungle, Duster, The Dead Science y Hella. Ya desde sus inicios han hecho música que o bien se ama con locura (envíos diarios de ropa interior rosa tricotada cubierta de sangre) o bien se odia con saña (puñetazo en el pecho tras una actuación en Houston). Siendo un poco atrevidos podríamos describir sus discos como lo que resultaría de la unión del escritor Dennis Cooper con The Fall, o unos Bright Eyes con verdadera mala uva y peor leche. 

Toman su nombre de la película Xiu Xiu (The sent down girl, USA, 1998) dirigida por Joan Chen, un estremecedor drama situado en plena Revolución Cultural China, y su música es dolorosamente autobiográfica, melancólica e histriónica. Tiene, desde luego, reminiscencias del pop británico y el post-punk, el techno y la cálida improvisación del lo-fi. La últimas referencias que les atribuye la prensa especializada van desde Suicide y Joy División, hasta The Smiths o Arvo Part, pasando por Scott Walker y Black Sabbath, pero a diferencia de la mayoría de las bandas contemporáneas, que filtran su tradición por una malla que expone abiertamente sus fuentes, las influencias de Xiu Xiu no están tan al descubierto. Teniendo en cuenta la dificultad que implica en el día de hoy dar con un grupo realmente original, Xiu Xiu se acerca bastante a este calificativo. Y en sus canciones se dan la mano elementos contradictorios –sonidos abrasivos frente a melodías hipnóticas, emoción que se expone vulnerable y a la vez escandaliza con descaro, humor y desesperación, belleza y fealdad- que pueden o bien desorientar hasta el punto de repugnarnos, o bien cautivarnos de forma irresistible.

“Fabulous Muscles” es ahora su tercer álbum, licenciado para España, Francia y Portugal por Acuarela. Con diferencia  se trata también del más electrónico y pop de toda su discografía. Xiu Xiu hacen uso de su sabio ingenio para atacar con saña los tópicos del rock con inversiones y referencias desconcertantes, reflejadas en todo tipo de cortes extraños, yuxtaposiciones y arreglos inesperados. La canción que da título al álbum expone la intensísima voz del líder de la banda y se trata de una de las piezas más emocionales de toda su discografía. La pegadiza (por decir algo) “I Luv the Valley” se basa en una melodía de guitarra que se te mete de inmediato en la cabeza, como los Sebadoh de “Soul and Fire”, como las mejores canciones de Talk Talk, como el Bowie berlinés, como unos Swans-no-siniestros. Pero son solo dos ejemplos puntuales. En “Fabulous Muscles”, sin duda uno de los trabajos más cortantes y rompedores del 2004, hay composiciones sobrias y tranquilas, fragmentos de corte ruidoso-experimental, estribillos dramáticos, fraseos, gritos, susurros, besos y escupitajos, ambientes terminales, hipnóticos, claustrofóbicos. Y un puñado de versos verdaderos  sobre la falta de amor y de deseo y lo que pasa cuando albergamos demasiado amor y demasiado deseo.

El disco casi se llamó “Thirteen Months And A Day” (“Trece meses y un día”), como referencia al tiempo que tardaron en producirlo. Pero como el ganador del Operación Triunfo británico, David Sneddon, puso un nombre parecido a su debut, se vieron obligados a cambiarlo. Teniendo en cuenta que este hecho se dio en un contexto de cuasi ruptura del grupo a mitad de la grabación, no supuso un gran trauma. Pero los Nicol estaban empeñados en seguir adelante. A principios de 2002 comenzaron a trabajar en su tercera obra. Por aquel entonces, el grupo se había hinchado hasta convertirse en un dificultoso octeto, además de violín y violonchelo... y renqueaba. Rupturas, reconciliaciones y desintegración. A Acuarela le había encantado “When The Sky...” y en junio lanzó un EP, “The Love That Will Guide You Back Home” (“El amor que te guiará de vuelta a casa”), además de organizar, unos meses más tarde, una gira ibérica de dos semanas para unos The Zephyrs a los que se unió David Jeans, antiguo batería del combo de homenaje a Stone Roses llamado, ejem... The Complete Stone Roses. La nueva alineación se completó finalmente con la presencia del guitarrista Robert Dillam, que solía tocar en Adorable... pero ya se ha recuperado. Fue así como The Zephyrs se conjuraron para sacar adelante su nuevo álbum. Grabaron algunos temas en Ca Va, Glasgow. El manager de Setanta, Keith Cullen, se ofreció como consultor ad hoc; impresionado por la solidez que había aportado la nueva alineación, y por el potencial implícito en los ensayos, los contrató.

Michael Brennan ha producido a The Zephyrs desde el primer día. Él y su padre, Mick, son propietarios del estudio Fife’s Substation. Mick es un técnico veterano; ha trabajado con grupos como Nazareth, los heavy escoceses de los 70. Actualmente colabora con Mogwai, mientras que Michael es técnico de sonido de los Super Furry Animals. A partir del pasado verano The Zephyrs ocuparon el tiempo grabando varias versiones de “Go Slow”, un tema sobresaliente. Podría ser un single, aunque quizás no tenga suficiente texto. Pero, como señala el razonable Stuart Nicol, está pensado sólo para esa cantidad de palabras. De todas formas con más letras habría mucho menos sitio para los cuatro instrumentos de percusión que contiene (incluidos un pequeño tambor militar y el bombo Ludwig gigante de los años escolares de Nazareth), el hipnótico estribillo de guitarra y –la guinda del pastel– el efecto mágico y susurrante del Fender Rhodes. “Roberta Flack” es otra de las buenas. Se llama así porque a Stuart le recordaba a la canción de Roberta Flack en “Play Misty For Me”. Acto seguido, con la banda al completo, hacen su entrada cuerdas y platillos. “Empty Eyes” es una muestra de que sigue habiendo vida en el planeta post-rock, y “A While”, puñetera poesía, pura y dura. En su disco anterior, The Zephyrs contaron con Sean O’Hagan para los arreglos de cuerdas; en esta ocasión lo hicieron ellos mismos, con un par de músicos locales que engatusan a sus instrumentos (violonchelo y violín) para alcanzar el efecto conseguido. “Watercolour” se escribió en principio para la recopilación “Acuarela Songs 1”, pero a la banda le gustó tanto que se la quedaron. Anclada por una batería atmosférica revela el dominio natural que tiene este grupo del lado más severo y oscuro de la música country.

“A Year To The Day” (“Un año hasta hoy”), editado por Setanta (el sello de The Divine Comedy, Evan Dando o Edwyn Collins), y licenciado por Acuarela para España y Portugal, se compone, en definitiva, de un total de diez canciones, en las cuales puede comprobarse por qué The Zephyrs han sido definidos como la combinación perfecta entre Simon & Garfunkel y Mogwai. Comienza con la apertura psicodélica de “Lacuna Head” interpretado por un generador de tonos utilizado por última vez en el puerto de Rosyth para testar la rapidez de las juntas y los remaches. Luego se nos revela la fantasmagórica voz de Adele Bethel (antigua asociada de Arab Strap) en “Stand Around Hold Hands”, y también a dúo con la voz espectral de Stuart Nicol en la evocación a-la Gram Parsons & Emmylou Harris del tema “One Year Many Mistakes”. Desde luego este magnífico disco se acaba demasiado pronto.